“亲历”17世纪的那场婚礼

　　——《农民的婚宴》（1630年）小彼得·勃鲁盖尔

　　勃鲁盖尔这个名字代表着尼德兰地区最有名望的绘画家族，其中老彼得·勃鲁盖尔成就最大，他是16世纪尼德兰地区最伟大的画家。本次展览中，就有两幅儿子仿制父亲的作品。大儿子也叫彼得，为了便于区别两个人，人们习惯在父亲前面上“老”字，儿子前面加上“小”字。小彼得·勃鲁盖尔也是一位出色的画家，但已无法超越其父。

　　此次展出的《农民的婚宴》是小彼得·勃鲁盖尔模仿其父亲的同名名作（现藏于维也纳艺术史博物馆）而绘制的。据说小彼得·勃鲁盖尔一共仿制了5幅，其中3幅忠于原作的室内场景，而包含本幅在内的另外两幅则变为户外场景，画面尺寸也缩小至原作的一半以下。

　　王建南老师认为父子作品相对比，无疑父亲更胜一筹。老彼得的画面严谨，完整，用色更为统一。人物造型个个准确，具有尼德兰地区农人的质朴之气。

　　在王建南老师的讲述下，大家站在画前却像是亲历了一场17世纪尼德兰地区的婚礼，当时普通农民的婚礼是什么样？新娘在哪里？新郎在哪里？画面上出现的人何种身份？都在做什么想什么？这幅画就这样生动复原了一个几百年的场景，艺术原来真的可以带来生活的质感，与今天的我们，距离如此之近。

　　领略巴黎的“女性美”

　　——《漫步》（1880年）马奈

　　因为得了绝症，马奈51岁就去世了，1882年他生前最后一幅作品《女神游乐厅的吧台》获得极大成功，官方授予他“荣誉团勋章”，但病中的马奈说：“这实在太晚了。”第二年的4月30日，马奈去世了。在一些人看来，马奈是印象派的奠基人，但是他自己从未承认，他从没有参加过印象派的任何一届画展。

　　马奈作品《漫步》被选为本次艺术展的主打图。这张图创作于马奈去世前三年。当时的马奈身体情况很不好，为了养病，也为了躲避人们的过分关注，他在巴黎郊外的贝尔维尤租了一间房子，这幅作品即是在此所作。据说，画中人物是来探望马奈的一位朋友——冈比夫人。画面主要由绿色与黑色的对比构成，加以女性嘴唇的红色以及小小的红花，使整幅画面的色彩取得了绝佳平衡，从中可以充分感受到马奈的色彩天赋。在这幅作品中，马奈不仅描绘了一位特定女性的肖像，更是把象征着巴黎的“女性美”完全体现在了画面上。

　　王建南老师认为，这幅画最值得一提的是马奈在画布上的“革新”之举。当时照相术已发明，马奈受到日本浮世绘及西班牙画风的影响，大胆采用鲜明色彩，舍弃传统绘画的中间色调，将绘画从追求立体空间的束缚中解放出来，朝二维的平面创作迈出了革命性的一大步。一开始，他的作品被学院派画家及众多艺术评论家们嗤之以鼻，“这是没有完成的作品吧？”最终，马奈对于绘画观念和技法上的创新和他独特的作品魅力改变了人们的审美眼光，推动了绘画的发展。

　　把笔绑在胳膊上画出的杰作

　　——《读书的女子》（约1900年） 皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿

　　崇拜拉斐尔的雷诺阿，在其绘画生涯中，最喜爱将阳光、大自然、女人、鲜花、儿童这些元素组成丰富华美的色彩乐章。雷诺阿从少年时代起便因生活所迫，在陶瓷厂绘制瓷画。工作虽然辛苦，却对他今后的绘画产生了极大影响。在他画作中的女性都是白嫩细腻的肌肤，笔触细腻透明，有着瓷器般的光泽和流畅质感。

　　50岁后的雷诺阿患了类风湿性关节炎，慢慢地只能坐在轮椅上创作，1892年后关节变形扭曲剧痛，他的手已经无法拿画笔，雷诺阿只能把画笔绑在胳膊上，也因此失去了以前细腻的笔触感。但是虽然不能像以前那样精细地描绘，雷诺阿的作品依旧完美，笔触越趋粗犷狂野，就像此次展出的这幅《读书的女子》。画中的女子是雷诺阿妻子的表妹，妻子去世后，是这个表妹一直在照顾雷诺阿的生活。

　　感受光影，即使几近失明

　　——《睡莲》（1908年）克劳德·莫奈

　　19世纪下半叶，印象主义登上历史舞台，这一段艺术史对于观众而言最为熟悉和具有吸引力。此次展品中既有马奈、莫奈、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿等人的画作，也包含了后印象派三位大师塞尚、高更和梵高的作品。此后，“后印象主义”改变了现实主义和印象主义的经验主义倾向，提倡高度个性化的观看方式，追求更为宏大、更具幻想特点的艺术表现，直接开启了20世纪的立体主义等现代主义艺术流派。透过展览中塞尚、梵高、高更等人的作品，我们可以清楚地瞥见“后印象主义”风格。

　　从19世纪90年代起，莫奈的作品开始越来越多地以“睡莲”为主题。自此一直到1926年去世，莫奈共创作了250多幅《睡莲》。面对吉维尼小镇的住所拥有的池塘中栽种的睡莲，莫奈将其演变为晚年绘画的最重要主题。即便1912年他患上白内障，双目几乎失明，也没有停止作画。在莫奈看来，“重要的不是主题，而是画家自己的观察和感受”。

　　王老师介绍，莫奈始终坚持外光，就是去室外画真正的变动的光线。为此，他甚至经常凌晨3点就起床，一连几个小时坐在睡莲池畔。从清晨到落日，庭院池塘里开放的睡莲呈现不同的姿态。在明灭不定的日光下，他总能捕捉到某个刹那间、稍纵即逝的光影美感。

　　莫兰迪色系的真谛

　　——《静物》（1948年-1949年） 乔治·莫兰迪

　　莫兰迪这个名字因为今年的爆款电视剧《延禧攻略》而大热。这部电视剧一改以往高饱和度、色彩艳丽的宫廷剧之风，取而代之的是一种舒缓、宁静、和谐之美，后被透露是使用了“莫兰迪色系”，也就是大家常说的“高级灰”，也因这一原因，一生低调的意大利艺术家莫兰迪突然成为中国的“大众明星”。

　　王建南老师对莫兰迪的作品也是兴趣浓厚。他说这也是他第一次看到莫兰迪的原作。莫兰迪的画不用鲜亮的颜色，每个色块都是灰暗的中间色，给人留下了平和舒缓、雅致不张扬的感受，对比华丽、鲜艳的色彩，莫兰迪色能给人一种安宁、平和的高级之感，舒缓雅致且具备静态的和谐美。

　　莫兰迪常被称为“瓶子画家”“僧侣画家”，不找女朋友，不结婚，一生专注于画瓶子和家门口的风景，一辈子低碳环保，也被认为是“最接近中国绘画的欧洲画家”。在王老师看来，莫兰迪的作品介于具象和抽象之间，凝聚静谧心情，色彩过渡极为微妙，最为令人称道的是，其中所蕴含的禅定精神，给人以得到疗愈的舒适感。

　　“我想成为一台机器”

　　——《女人》《运动员（杰克·尼克劳斯肖像）》（1975年、1977年）安迪·沃霍尔

　　二战结束后的上世纪50年代，世界艺术中心由巴黎转向纽约，西方艺术处于从“现代主义”向“后现代主义”的转变期，涌现出带有美国特色的艺术思潮流派，如抽象表现主义、波普艺术、极少主义等，艺术世界呈现混杂多元的样貌。后现代主义艺术广泛运用大众传播媒介，企图打破传统的审美范畴，跨越艺术与生活的界限。尤其是60年代盛行的波普艺术，创造出一种大众化的流行艺术，展览中波普艺术的代表人物安迪·沃霍尔和罗伯特·印第安纳的作品，都折射出这一文化特征，同时也反思时下消费社会的现状。

　　在王建南老师看来，安迪·沃霍尔是个“预言大师”，因为他敏锐地觉察到了时代特征，看到人们进入了商品时代，流行文化当大行其道，而作为反映生活的艺术，此时的思想性，大于绘画本身的艺术性。正因如此，安迪·沃霍尔独树一帜，成为“波普派”领袖。“重复性”是沃霍尔作品最突出的特征。沃霍尔说过，“我喜欢可以被不断重复的事情”，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意在作品中消除个性与感情的色彩，不动声色地把最平凡不过的形象罗列出来，正如他的一句名言：“我想成为一台机器。”而现在，反思我们的生活，人有没有成为机器的危险呢？

　　本版文/本报记者 张嘉

　　本版供图/秀妍