《名优之死》 李春光摄

　　甘学荣

　　《名优之死》是田汉的早期代表作之一，写于1927年冬并于当年在上海梨花公所首演，直到1929年在南京公演时，才从二幕剧形式改为三幕剧并固定下来。1957年夏淳执导人艺版《名优之死》并于1979年重排上演。这次2018年人艺版由任鸣、闫锐执导，作为年终压轴大戏重磅推出，旋即形成一个网红文化热点。《名优之死》之所以能够历经近百年而得以传承并始终受到热捧，不仅在于田汉本人的名气和成就，关键是剧作在坚持田汉唯美及伤感主义总体风格之下，以民国初年著名艺人刘鸿声之死为素材，概括了旧社会戏曲艺人的苦难遭遇，发出了动荡中的社会底层民众的撕心呐喊，创造了一个唯美主义、伤感主义、现实主义高度融合的艺术经典，触发了文化觉醒，成为中国戏剧现代化和民族化过程中的里程碑，也使田汉成为中国戏剧现代化民族化中当之无愧的第一人。从这个意义上讲，这次重塑经典，虽然冒着巨大的风险挑战，却是一次有惊无险的势在必得。

　　此剧打磨精，实现了台前台后、台上台下的矩阵共鸣。全剧约150分钟，时间不短却令观众一点儿也不犯困走神，悲婉主题却令观众一点儿也不压抑不适，寓意深刻却令观众一点儿也不酸涩附会，足见剧作团队下的功夫之深、打磨之精。台词提炼得深刻且笑点多。“在台上你要知道你是谁、在台下你更要知道你是谁”“有的人为了唱戏而活着，我活着是为了唱戏”，剧中每个演员都能不时迸出一些或哲思、或诙谐的好词佳句。在表演上，细节雕琢处理得恰当有穿透力。比如杨大爷送来凤仙梦寐以求的宝钏头面，凤仙半推半就、一推一就、边推边就，把她既渴求荣华，又不忍背叛的复杂心理刻画得淋漓尽致。又比如，杨大爷来砸场子并威逼凤仙跟他走，刘振声悲愤无奈中苦苦劝留，明知凤仙去意已决，还是对着角落里衣着单薄的她说：“天太冷，还是披件戏衣再走吧！”一代名流处于凄楚绝境中的一句深情问候，一下子打动了全场观众。

　　剧作共三幕，舞美的繁简难易不好把握。舞台三幕景深层层递进，灯光、音乐、服装、道具，尤其是最后那个孤零零的龙椅，贴合了人物心理和剧情变化。整个演出，话剧与京剧、台前与台后、剧中人与扮演者、演员与观众，矩阵间思绪和情感得以交融，真是“观戏中有戏中人、唱戏代言看戏人”。

　　此剧的切口准，揭示了艺术坚守与迎合的复杂逻辑。人类艺术从诞生那一刻起，就处在坚守与迎合的纠结之中，缠绵几千年。对于那个军阀割据、新旧交替的时节，电影、唱片、舞厅这些洋玩意儿已登陆上海滩头，“容不下好东西”和“传统不能丢”到底谁对谁错？面对老祖宗留下的旧玩意儿，刘振声显然选择了坚守，他甚至认为“不是我守旧，是我守得还不够旧”，然而他还是死了，在倒彩声中死了，留下了无尽的遗憾和半途而废的班底。爱徒凤仙选择了迎合，她的理由是“祖宗也是改了他祖宗”的，她要留住观众，要彩头、名利以及唱戏带来的奢华生活，可师傅不让她那样唱，她便选择了跟杨大爷离开。《名优之死》以时代弄潮儿姿态，勇敢揭开了文化艺术到底能不能传承、到底该如何传承的千年魔盒。正如导演闫锐之问：“艺术的生命是否与人的生命类似，都从鲜活到老去？”

　　2018版《名优之死》暗喻了“在坚守中创新”的传承之道。剧作中，没有一句相关台词、没有创设一个相关情节，那这种“在坚守中创新”的理念是如何传递给观众的呢？主要体现在刘振声多次果断纠正凤仙的自我炫耀上。为了能展示自己、以博得人气，她频频擅自改戏，随意添加自以为美的唱腔、剑法、舞法，刘振声总能给她以令人信服的纠正原因。这些开化之语，凤仙恐是听不进去的了，而观众却听进去了。那就是，优秀传统艺术不是不能创新，而是应在充分尊重原著基础上，根据人物的所处时代、身份、性格、当时处境以及事件发展进程，并结合演出时的人文特征，进行合理化改造，这样才能既传承经典又受时下欢迎。任何脱离上述因素的随性改编、随便逞强、随意迎合，都是对经典的亵渎、对艺术的践踏，纵是一时叫好又叫座，也只能是昙花一现，曲终人散，不可能“让好玩意儿留得下来”。